« Ma pratique alterne entre paysages picturaux dans lesquels hante des paysages chargés de fleurs et de viscères, aux natures mortes informant expressivement sur leur sujet : ces images évoluent vers une forme de portraiture qui se situe de plus en plus ces signifiants au sein des sujets eux-mêmes. »
En écologie, on appelle « terres épuisées » les champs abandonnés qui ont déjà été gérés et cultivés par des gens. Dans L’âge des Songeurs, Jay Dart se sert des terres épuisées comme contexte pour sa plus récente série de dessins, dans lesquels des voyageurs entêtés découvrent d’étranges et beaux esprits. Ou peut-être les créent-ils ? Dart explore comment ces espaces en jachère, situés entre les grappes intenses des collectivités humaines, sont des allégories pour les espaces de notre imagination que nous abandonnons en passant à l’âge adulte, et pourquoi il est important d’y retourner.
Depuis plusieurs années, mon travail artistique s’articule autour du thème du papier. Ce matériau emblématique, on le retrouve dans tout mon travail. Le papier plié, pour moi, évoque une étude singulière de l’imagerie de l’artiste d’aujourd’hui.
C’est dans l’arrière-pays entre la nature sauvage et la civilisation ordonnée que je situe les fragments des récits semi-fictifs qui forment des dessins et toiles. Ces récits sont des chroniques liminaires qui construisent l’échafaudage lâche d’un royaume à la fois aqueux et terrestre. Ce monde s’appuie sur l’histoire et la géographie, la zoologie et la mythologie, la musicologie et l’astronomie, les rumeurs, les mensonges, l’hyperbole et le folklore.
Ma plus récente exposition est née d’une fascination continue pour les façons dont les humains interagissent avec le monde naturel. Je m’intéresse aux endroits dans lesquels l’hostilité de la nature est apparente pour les humains : les mauvaises herbes et les enchevêtrements dans un marécage grouillant de créatures dangereuses et mortelles, ou les rochers escarpés envahis par la flore vénéneuse de la jungle.
La première exposition montréalaise de Mark Puchala, Frissons résiduels, est remplie de figures et de marques issues du monde naturel, qu’il soit animal ou minéral. Insérées dans un paysage sémiotique peuplé d’éraflures qui rappellent de vieux graffitis ou des marques laissées par des nomades, ces figures flottent devant un arrière-plan de dégradés de couleurs et de globules de lampe à lave.
De nombreuses histoires médiévales sont intimement liées à la forêt. La légende arthurienne dépeint la forêt comme un espace de transition et d’inconnu, un endroit où les chevaliers vont chercher l’aventure et mettre à l’épreuve leur bravoure. La route fourche, des bêtes attaquent, le diable trompe, mais nos héros trouvent toujours leur chemin. Naviguer dans la culture de l’information est similaire : nous cliquons sur des liens, avançons péniblement à travers les commentaires et évitons la désinformation.
Les photographies de Damián Siqueiros illustrent l’intérêt soutenu de l’artiste pour la construction de l’identité. Elles le font par l’entremise des éléments représentés et de la technique dont l’artiste se sert. Le contenu et la forme sont entretissés, formant un reflet continu et ouvert qui remet en question notre représentation du soi et du monde, ce que nous considérons comme essentiel et vrai. Chaque image constitue la forme esthétisée d’une lutte à la fois intime et sociale.
Dans cette série d’œuvres, Des centaures et des hommes, j’ai créé un monde de réalisme magique afin d’examiner l’idée de la liminalité : un seuil, une frontière, qui indique un état de transition ou un espace conceptuel entre deux positions souvent dichotomiques. Le centaure, comme humain-cheval hybride illustre parfaitement la situation liminale : à la fois humain et cheval, il n’est cependant ni homme ni cheval.
Dans la plupart de mes tableaux, les figures ne font aucune activité précise : elles sont dans un état presque contemplatif, réfléchissant à la beauté de leurs alentours. Elles sont presque hédonistes, se retirant de la folie du monde extérieur pour créer leur propre esthétique.
L’exposition solo RAW fait partie d’un projet personnel, global et ouvert, par lequel j’explore le rapport entre la réalité cinématographique et la réalité du quotidien, ainsi que les analogies possibles entre l’histoire de la peinture et celle du cinéma.
Les œuvres actuelles d’Austin s’inspirent de ses voyages nord-américains et plus particulièrement dans la région du nord-ouest Pacifique. Le thème sous-jacent qu’on trouve dans chaque œuvre est la crise climatique actuelle et ses impacts irréversibles sur la faune. « Destined Fauna » représente et dépeint divers animaux sauvages qui s’évadent et prospèrent dans une utopie surnaturelle, un environnement intact, préservé à la perfection.
Mes œuvres forment en quelque sorte un journal de bord débridé. Elles immortalisent le parcours d’un individu mystifié au quotidien par l’existence, par les gens, par les objets, par rien et par tout : moi. Quoique très personnel, mon travail aborde essentiellement un thème qui parle à tous : le rapport à l’autre. L’autre à la fois envahisseur et indispensable allié, l’autre dans sa matérialité, l’autre présent ou absent.
